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nedroseD lunes, octubre 31, 2005
Informe extraìdo de Buenas Noches Bagdad, pasado al aire el Sàbado 29/10.
"Esta semana te voy a hablar de tres películas unidas por un factor un tanto extraño. Estoy hablandote de películas filmadas con un relato no lineal. Por ahì leìste "62, modelo para armar", o incluso "Rayuela" y te quedaste maravillado con esta idea. Manuel Puig tambièn solìa hacerlo. Y tambièn amaba el cine, asì que los volvemos a unir.
La primera película que te vamos a nombrar es de 2002. Se trata de Irreversible, una película Francesa filmada por un director argentino (Gaspar Noè) y protagonizada por una italiana, Mònica Belucci. De las tres, Irreversible se caracteriza por dos cosas: la brutalidad y la contra-linealidad. En cuanto a lo primero, te cuento que Irreversible tiene dos escenas (entre otras tantas que le hacen el apoyo) que hacen que no sea apta para? no es apta para nadie. No se trata de tener impresión. Es ir a verla sabiendo que tenès todas las posibilidades de perder el sentido del gusto, la moral y la resistencia psicològica. Para que te des una idea, en la contratapa del DVD, Noè se jacta orgulloso, y no de la película, sino de un hecho curioso. Explica que en la Avant Premiere, sobre 2400 concluyentes, 200 se levantaron y se fueron de la sala, vòmitos y demayos mediante. Noè, para ser màs repulsivo, decidiò que los primeros 30 minutos de película cuenten con un sonido de fondo bastante original, un zumbido constante, transmitido en baja frecuencia, fue puesto a propòsito por el director, sabiendo que esto causa malestar y jaqueca al espectador. Te cuento brevemente las dos escenas en cuestión: la escena inicial la eligiò Roy en uno de los primeros informes de BNB: es la muerte màs violenta jamàs filmada, con un hombre destrozando, literalmente, la cabeza de otro con un matafuegos, hasta dejarla hecha pedacitos de carne picada. Esta escena fue filmada en un club gay tan oscuro y demacrado que muchos de los actores se retiraron del set de filmaciòn aduciendo claustrofobia. Si esta escena consiguió el mote de "peor asesinato jamàs filmado", la otra consiguió convertirse en la "violación mejor lograda" en cine. Mònica Belucci sufre una violación anal tan fuerte, tan convincente y tan, tambièn literalmente, desgarradora que todo lo que sucede después (o sea, antes) tiene justificación. Uno se siente Vincent Cassel con retroactividad, y la película empieza a tener el sostén psicològico, ese sostén que el guiòn no provee. Aquì entonces, su otra caracterìstica antes mencionada: su antilinealidad consiste en que es narrada de atràs para adelante, sin flashbacks, sin interrupciones: el principio es el final y viceversa, sin misterios de por medio. Esto la convierte en original y por eso està en nuestra lista. Pero ver Irreversible de atràs para adelante, serìa un bodrio. Un Bodrio morboso, y no màs que eso.
La segunda película en cuestión es del año 2003, y se llama "Reconstruction". Esa manìa por rebautizar tuvo la mala idea de llamarla aquì "Reconstrucción de un amor" que seguro rehusaste de alquilar por su tìtulo. Lo mal que estuviste. Esta película danesa, dirigida por Christopher Boe, le mereciò la Palma de oro a la mejor direcciòn. Merecidamente, claro.
El desorden lineal de esta película esta fuertemente amparado en la falta de coherencia, buscada naturalmente. Esta peli entonces hace pata ancha en lo onìrico, sin caer en lo fantàstico. Es metafìsica y cursi durante 30 segundos, para después dejarte pensando durante 90. Es lenta, muy lenta. Es silenciosa, tambièn. Pero no es aburrida. Entonces los protagonistas, tan rubios, tan nòrdicos, te llevan a hundirte de una forma muy pesada, muy hùmeda en una Copenhagen que ignoràs hasta este momento. Alex, un fotografo joven con cara de nòrdico serio y vida ordenada (como todo nòrdico, bah), tiene una novia, hermosa. Pero una experiencia de un sueño lo llama a buscar a otra mujer, que al dìa siguiente del sueño se le aparece en una estación de subte. Es idèntica a su novia, pero se va con ella, no le importa nada. La narración de esto que ahora nombro con total naturalidad, es totalmente incomprensible y desordenada. En cuanto ellos se van juntos, el dìa después de Alex es una fàbula: todo el mundo que lo rodeaba, manifiesta desconocerlo. Al irse con Aimeè, la mujer en cuestión, desdibuja el resto del mundo, que lo ignora y lo trata como un desconocido, no en plan complot, sino como lo que es. Su padre, su ¿ex? Novia, sus amigos, lo desconocen por completo. Y vuelve, entonces, a Aimee, pensandola que si eso pasò, fue por razones del destino. Ella tambipen lo desconoce al dìa siguiente, pero la vuelve a conquistar. Ella es casada. Su marido, es escritor. Su marido, està escribierndo una historia. La historia de Alex, parece ser. El director, Christopher Boe, no nos deja captar esta idea del todo. Como si uno no estuvies noqueado con las idas y vueltas (en tiempo y en complejidad), Boe ni siquiera nos muestra una certeza. Los diàlogos son ricos en filosofìa y las miradas deliciosas, abundantes. Los ojos de los protagonistas nos brindan lo que no hacen con las palabras. En "Reconstrucción...", el fuerte de lo no lineal no està entonces sòlo en el desorden, sino en las mùltiples alternativas. Tildarlo de "Elige tu propia aventura" serìa tan fácil como erròneo. Ni siquiera la película permite hilar esas diferentes decisiones. ¿Pensàs que la película no cierra, entonces, por incoherente? Equivocado estàs, amigo. Cierra perfecto es como una imagen de un rompecabezas formado por miles de piezas, de las cuales ninguna encaja con la otra.
Y la tercera película de las que te hablamos, es Memento, del año 2000 (nosotros te las contamos, por respeto a ellas, de forma no lineal, claro). Memento, de otro Christopher, Notan en este caso, protagonizado por Guy Pearce, Carrie Ann Moss (Trinity, bah) y Joe Pantoliano. De las tres es la que cobra màs fuerza por su impacto visual, es la que màs llama la atención, lo que las otras no pueden con sangre, violaciones o con sufrimiento amoroso, està puede con la historia: un tipo quiere encontrare al asesino de su mujer, hasta ahì, todo bàrbaro. Lo que ocurre es que el tipo tiene un problema importante: cualquier tipo de venganza requiere la posesión de memoria. Y guy pearce carece de memoria de corto plazo, debido a una lesiòn producida en el mismo acto fatal que su esposa. Pearce suple esto mediante una polaroid que lo lleva a retratar todo constantemente, dejando notas atràs de las fotos, tatuàndose èl mismo su propio cuerpo, siempre con el fin de encontrar al asesino de su esposa.
Memento, entonces tiene otra alteración de la linealidad, que està planteada para que el espectador se sienta Leonard (el papel de Pearce). El guiòn serìa comprensible visto en orden cronològico, pero ahì reside su gracia. La alteración del orden de los datos y la amnesia del protagonista crean un hueco en la trama, producen un thriller psicològico bastante fuerte, en el cual uno desconfìa del papel de Pantoliano tanto como lo hace Leonard. Y al mismo tiempo, ve desde afuera Pantoliano tratando de comprender los pensamientos, que ya tienden a esquizofrènicos, de Leonard, que carece totalmente de criterio, mucho màs para llevar a cabo una investigación.
De este bloque nos despedimos con la canciòn que Nolan quiso como tìtulos finales de Memento, pero que cuyos derechos de autor valìan màs de lo que habìa costado la pelìcula entera: Radiohead - Paranoid Android.-"
Guión de: Luleau.-
Filmografìa de Charlie Kaufman viernes, octubre 28, 2005
(Escrita para el programa nùmero 12 de Buenas Noches Bagdad
Este sàbado vamos a hablar de pelìculas con tramas no-lineales (Memento, Reconstrucciòn de un amor e Irreversible), que despuès del sàbado lo colgarè aquì.)

Charlie Kaufman proviene, como tantos otros, de la TV. Tiene un pasado de sitcom: era el guionista de "Ned and Stacey", aquella donde Thomas Haden Church (el malhumorado protagonista de la excelente "Entre Copas") y Debra Messing (que hoy hace a la insufrible Grace en "Will & Grace", una de las mejores sitcom actuales) se casaban por conveniencia y su convivencia era tan convulsiva como cómica. Tambièn se encargò de guionar "The Dana Carvey Show", donde el ladero de Mike Myers en "El mundo según Wayne" llenaba todas las semanas de gags al estilo Saturday Night Live.
En esas series Kaufman cultivò la semilla de su estilo de comedia, con toques de realismo (dejemos de lado a Dana Carvey, por supuesto) que siempre se frena con una escena que rompe toda lógica narrativa previa, y rompe toda lógica posible.
En su paso al cine, Kaufman deambulò durante años hasta lograr que le produzcan su primer film. En 1999 lo logrò, y el asignado para la dirección fue Spike Jonze, que tambièn tenìa orígenes cuasi televisivos: Spike Jonze hizo su fama de la mano de los Videoclips musicales, haciendo una marca y estilo propios, y dejando su firma a videos històricos como Sabotage de Beastie Boys ò Weapon of Choice de Fatboy Slim, àquel donde se luce Christopher Walken. Entonces, el salto a la pantalla grande lo dieron juntos. Y de una manera espectacular. Estamos hablando de "¿Quieres ser John Malkovich?", de 1999. Esta historia transcurre la mayor parte en una oficina situada en un piso de un metro de altura. La oficina està ahì porque paga la mitad de alquiler, y andan todos agachados. En esa oficina de frustrados y agachados trabaja John Cusack, un titiritero que tiene ansias de èxito y una esposa cada vez màs desinteresada en èl, interpretada por Cameron Dìaz. Junto a John Cusack, trabaja una mujer tan sexy como desquiciada. Catherine Keener se nos aparece con un desorden mental importante y hace las veces de amante del titiritero. Un dìa y en horarios en que en las oficinas quedan solo los amantes, descubren una puertita aùn màs minúscula. Es un portal al cuerpo y a la mente del actor John Malkovich. Como suena: entràs en esa puerta y manejàs cuerpo y mente de Malkovich, durante 15 minutos, tras los cuales automáticamente Malkovich queda liberado y vos apareces en un desagüe de New Jersey. Los sucesos desopilantes empiezan recièn ahora, aunque no parezca: Catherine le encuentra el negocio al portal, Cusack se obsesiona y cree que como titiritero nada mejor que practicar con Malkovich, Catherin se enamora de la esposa de su amante, pero màs aùn cuando èsta esta manejando a Malkovich. Y Malkovich, descontrolado, se entera de todo e incluso ingresa a su cabeza a travès de un portal, creando una escena memorable de Malkovichs por todas partes parloteando con una ùnica palabra: "Malkovich - Malkovich - Malkovich". En esta extraordinaria comedia, en su primer guiòn llevado al cine, Kaufman obtuvo una nominación al Oscar por mejor guiòn original y Jonze fue nominado para Mejor Director. La película fue aclamada por el pùblico y por la crìtica.
En el 2002, tras semejante suceso, la dupla se volvió a juntar, trayéndonos "Adaptation", aquì conocida como "El Ladròn de Orquídeas". Este film es brillante y es probablemente el mejor ejemplo de fenómeno 'meta'. Kaufman escribe una película en la que Kaufman escribe una película. Un guiño de autobiografía interpretado por Nicholas Cage, que tras el èxito de "Being John Malkovich" se obsesiona por adaptar un libro a la pantalla grande. Ese libro "El ladròn de Orquídeas" existe realmente, està escrito por una tal Susan Orlean, aquì interpretada maravillosamente por la eterna Meryl Streep. En el libro ella relata la historia de un traficante y clonador de orquídeas, interpretado por Chris Cooper (aquèl militar retirado de Belleza Americana y que ganara el Oscar a Mejor Actor de Reparto por este papel) que ya no hace falta decir que tambièn existe en la vida real y que lo que el libro de Orlean narra es una historia verídica. Bueno, lo ficcional en Adaptation es como se relacionan todos estos factores, y la narración es anacrónica, yendo y viniendo en el relato, dan como Streep se involucra con el ladròn de orquídeas mientras escribìa este libro, muestran los problemas psicológicos de Kaufman al adaptar el guiòn y para relacionarse con las mujeres y el costado màs cómico del film: Kaufman tiene un hermano gemelo llamado Donald que es ridículo e insoportable, y desarrolla paralelamente al vìa crucis de Charlie un guiòn ridículo de una película llamada ?Los 3?, una historia desopilante y poco creìble. Este es un guiño a la realidad ficcional que pretende Kaufman: Donald en la realidad no existe, pero sin embargo figura en los crèditos como guionista de "Adaptation" y cuando esta fue nominada al oscar como ?Mejor guiòn adaptado?, los nominados fueron Charlie Kaufman... y el inexistente Donald Kaufman. Un detalle que añade a esta idea es el DVD, donde trae filmografìa de actores, director y guionistas, entre los cuales figura el ficticio Donald, pero no con solo una película, sino que tambièn figura "Los 3" con el año 2004 como referencia.
En el 2002, otro guiòn de Kaufman fue llevado al cine, esta vez otorgándole a George Clooney la oportunidad de debutar en la dirección, lugar desde donde su sonrisa carismática no podría servir de mucho. Sin embargo, con "Confesiones de una mente peligrosa", sale parado airoso, màs teniendo en cuenta otro brillante guiòn de Kaufman. Esta vez, Charlie adapta una historia verídica narrada en primera persona en un libro autobiogràfico. Chuck Barris, tal es su nombre era un empresario de la televisión que todo lo que tocaba lo convertía en oro. Salido bien de abajo, puso en pantalla programas como "The Gong Show" o "El Juego de los recièn casados", ninguna joya cultural que sin embargo pegarìan terriblemente en las pantallas chicas norteamericanas. La historia hasta ahì nos mostrarìa el ascenso y ocaso de un conductor/productor televisivo, nada fuera de lo normal, por màs que la película lo lleve de una manera extraordinaria. Pero resulta que Chuck Barris, en una actuación impresionante del semi-ignoto Sam Rockwell, es al mismo tiempo agente encubierto de la CIA y hace viajes relámpagos a Europa en plena guerra fría con identidad oculta para matar por encargo a objetivos puntuales de la CIA. Drew Barrymore cumple perfecto el papel de la eterna compañìa de Barry, Julia Roberts es quien le encarga los trabajos de su vida paralela y son realmente cómicos los cameos de 15 segundos realizados por Matt Damon y Brad Pitt, amigos del director, que tambièn aparece en pantalla en un pequeño papel. La película tiene colores tan lisèrgicos como la historia que cuenta y es como hacer un pequeño viaje a los EEUU de los 60, con hippies y tv color recièn naciendo y guerra fría, con el detalle de que estàn todos agolpados en la insòlita vida de Chuck Barris.
Hemos visto que Kaufman y sus guiones son una suerte de debutantes de directores: pues bien, tambièn hizo pegar el salto a Michel Gondry, otro director de videoclips afamado. Este francès se hizo conocido dirigiendo videos de Bjork y Daft Punk, y su inicio lo tendría junto a Kaufman en "Naturaleza humana" un film del 2001 protagonizado por Patricia Arquette y Tim Robbins que no llegò a las bateas de videoclubs argentinos, pero que habla de un triàngulo amoroso entre dos científicos y un ser humano que es descubierto luego de haber crecido y vivido toda su vida en estado de vida salvaje, una suerte de Tarzàn modernista. Por cuestiones distributivas no podemos hablar de la calidad de este film, pero sì podemos hablar de la enorme calidad que Gondry y Kaufman le impusieron a su segundo film juntos, el quinto y ùltimo guiòn de Charlie llevado al cine.
Estoy hablando nada màs ni nada menos que de "Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos", tìtulo que proviene de un poema que fuera recitado en ?¿quieres ser John Malkovich?? y que es tambièn citado en esta película del 2004.
"Eternal sunshine..." finalmente le otorgò a Kaufman un Oscar, como mejor guiòn original, y es justificado. Con un elenco excelentemente acertado (roles protagónicos de Kate Winslet y de Jim Carrey y secundarios de Elijah Wood, Tom Wilkinson y Kirsten Dunst), Kaufman (con colaboración esta vez de Gondry en la escritura del guiòn) imagina un proceso mèdico capaz de borrar recuerdos tortuosos a travès de daño neurológico y un proceso de erosión total de rastros materiales: vemos en el despacho del mèdico a una señora que desea eliminar la tristeza que le ocasionò la muerte de su perro, esperando con una bolsa con pertenencias del can.
Una ciclotìmica, bipolar e inestable Kate Winslet decide borrar de su mente a Jim Carrey, con quien posee una historia que, a fines de mostrar justificativos para tal decisión, muestran como tortuosa. Carrey se entera casi por accidente y su forma de vengarse (o curarse) es emprender el mismo proceso. La salvedad (y a partir de ahì se desarrolla la acciòn de la peli) es que un mecanismo de defensa suyo decide detener ese daño neurológico, al arrepentirse en el medio del proceso, mostrando la otra cara de la relación, suponiendo un pasado mágico posible de reconstruirse. La película entonces se basa màs en la difícil idea de borrar recuerdos, o de cómo valorarlos que en una relación en particular, que sirve de ejemplo tanto como podría servir la mujer con su perro.
Es agradable encontrar esta circunstancia tan futurista en un contexto totalmente actual y real, sin necesidad de robots ni de matrices maquiavélicas de por medio.

PD: Este post iba a convertirse probablemente en el mayor chivo a imdb.com jamàs hecho, pero me tuve que poner a laburar y quedò solo el atisbo del primer pàrrafo.
Guión de: Luleau.-
Tengo miedo, nene miércoles, octubre 26, 2005
A partir de mañana y hasta el 2 de noviembre, la ciudad de Buenos Aires se viste de rojo sangre para disfrutar de su VI Festival de Cine de Terror, Bizarro y Fantástico Buenos Aires Rojo Sangre.

El mismo se llevará a cabo en el Complejo Tita Merello y se podrá disfrutar de una prometedora programación internacional por la módica suma de $3. En el caso de los cortos, están organizados en bloques de aproximadamente 10 cortos con una duración total de 2 horas, y todo eso por el mismo valor, tipo combo!

Aprovechenlo, parece que va a estar bueno. Yo me voy a dar una vueltita y cualquier cosa les cuento después.

Sitio oficial BARS VI
Programación
Guión de: ~Naty~
El cadáver de la novia domingo, octubre 23, 2005
("Corpse Bride", de Tim Burton - 2005)



Con una fórmula bastante parecida a la de "The nightmare before Christmas" ("El extraño mundo de Jack"), Tim Burton nos presenta su segunda película en lo que va del año, luego del éxito de "Charlie and the Chocolate Factory".
Esta vez las animaciones (lógicamente) han evolucionado y se han perfeccionado. No obstante, la historia seguirá siendo simple y fantástica como en un cuento infantil.
Victor Van Dort va a casarse con Victoria Everglot, en una boda arreglada por sus respectivos padres, quienes creen que mediante esta unión van a salvarse de la pobreza. Durante el ensayo de la ceremonia, Victor conoce a Victoria y, sorprendentemente, se enamoran. Pero el muchacho no es capaz de memorizar sus votos y todo va saliendo cada vez peor.
Esa noche, Victor se refugia en el bosque y, mientras ensaya sus votos, coloca el anillo en lo que él cree es la raíz de un árbol... pero en realidad es el dedo anular de Emily, una novia muerta que esperaba este momento para llevar a su amado, precisamente, al mundo de los muertos.
Con las voces de (el actor fetiche de Burton) Johnny Depp encarnando a Victor y (la actriz fetiche de Burton) Helena Bonham Carter como Emily, Tim Burton nos sumergirá nuevamente en un mundo de colores y gags humorísticos, acompañados por la ya clásica música de Danny Elfmann.
Una película linda, tierna, dulce, con alguna moraleja si se quiere, que dura exactos y suficientes 76 minutos, ni más ni menos.
Guión de: ~Naty~
30 AÑOS DE TIBURÓN martes, octubre 18, 2005
Bruce al ataque
Peter Benchley se inspiró en ataques reales y escribió una historia de traición, ambición y muerte que primero iba a llamarse "Leviathan Sube", luego "Las Mandibulas de la Muerte" y terminó llamándose "Mandibulas" (Jaws).
El libro se publicó en 1973 y fue un best seller inmediato. La historia del tiburón blanco atacando el pequeño balneario atrapó a Estados Unidos y los derechos para filmarla cayeron en manos de Universal y Richard Zanuck con David Brown. El propio Brown admite que si hubieran leído la historia dos veces no hubieran hecho la pelicula. ¿Como iban a hacer para que un tiburón saltara sobre un barco, lo hundiera y se comiera a uno de los actores?
Un veinteañero Steven Spielberg llegó a la oficina de Universal un día y descubrió entre las pilas de guiones el de Jaws. Intrigado por el titulo (creyó que se trataba de un dentista) se choreó el libreto. Lo leyó esa noche y llamó al estudio diciendo que quería dirigirla pero le frenaron el carro: Ya había otro director para hacerla. Sin embargo al poco tiempo Spielberg fue contratado porque el otro director insistía en que lo que atacaba el balneario no era un tiburón sino una ballena (ese director tres veces dijo "ballena" en la entrevista con laproducción y le dieron una patada en el culo). Si bien Benchley quería a Paul Newman, Robert Redford y Steve McQueen para los papeles principales los productores no se preocuparon. La estrella de este film iba a ser un pez.
El problema del casting también fue antológico. Dreyfuss se había negado pero luego aceptó, Saw fue sugerido por los productores, pero quien iba a ser el protagonista era más complicado. Fue en una fiesta donde Roy Scheider conoció a Spielberg y, al verlo preocupado, le preguntó que ocurría. Spielberg terminó contándole todo el argumento y Scheider dijo que era sensacional y que él lo haría. El director estuvo de acuerdo.
Alves imagina...
Storyboards de Joe Alves para la escena de la muerte de Alex Kinter.
Luego de varias adaptaciones del guión (el propio Benchley había hecho el trabajo) Spielberg escribió uno propio junto con Carl Gottlieb que en la película hace de dueño del periódico de Amity,el pueblo que ataca el tiburón. El gran cambio fue hacer a los personajes más agradables y humanos que sus atormentadas versiones del libro. En la novela el ictiólogo se acostaba con la mujer del sheriff y eso hacía que arriba del barco esos tres tipos quisieran matarse entre ellos. Y eso llevaba a una de las escenas más violentas y perturbadoras de la historia finalmente eliminada del libreto.
Tiburón fue imposible de filmar ya que Bruce el tiburón mecánico (creación del gran Bob Mattey, le pusieron Bruce por Bruce Ramor el abogado de Spielberg) se rompía a cada rato por el salitre del mar. Eran cuatro tiburones en total con diferentes funciones cada uno. La película se filmó casi en su totalidad (excepto por la escena submarina de la jaula) en el mar. Los problemas técnicos llevaron a mejorar el guión y la actuación, a que el tiburón apareciera muy poco en la versión final y a que casi echaran a Spielberg terminando de esa manera con la película. Sin embargo, gracias a algunos productores, a la sensacional editora Verna Fields (que ganó un oscar por ese trabajo) y al propio Spielberg que defendía su trabajo, se terminó. Se estrenó. Y se convirtió en la película más vista de todos los tiempos (hasta que llegó Star Wars). Desde entonces los blockbusters se estrenan en verano en Estados Unidos.
También se ganó tres oscars (edición, sonido y música original) y fue el puntapié inicial para que John Williams colaborara con el director en muchísimos éxitos venideros.
Vení, no te hago nada...
Roy Scheider y Bruce en el climax de "Tiburón".
La música de Williams merece un comentario aparte. El compositor creo un tema en base a dos notas que iban en crescendo, tan amenazador, quela gente identificó la presencia del tiburón con la música. Era la ídea. Pues hay más de una escena que, acostumbrado como el perro de Pavlov, el espectador salta de sorpresa cuando el pez ataca sin el tema sonando. Williams tiene de que jactarse.
Tiburón es una película sobre los miedos. Sobre enfrentar lo que a uno le da pánico y vencerlo. El personaje de Brody (un Roy Scheider en una actuación formidable) le tiene pavor al agua, detesta el mar. Sin embargo decide cerrar las playas y salir en busca del escualo cuando se pierde el control de la situación. Ninguno de los dos expertos, ni el cazador Quint (Robert Saw un idolo) ni el joven oceanógrafo Hooper (Richard Dreyfuss en la primera de una serie de colaboraciones posteriores con Spielberg)pueden con su experiencia y conocimiento terminar con la amenaza. Pero el jefe de policía, que pasa la última hora de la película aterrado en el barco, lleno de dramamine es quien pone fin al monstruo metiéndole un tanque de oxigeno en la boca y haciéndolo a volar con un rifle. Era 1975 y cuando el gran blanco volaba por los aires en los cines se escuchaban los aplausos del público.
"Yo le dije a Steven que ese final era imposible, pero él me respondió que no importaba. Que si tenía al público atrapado durante dos horas se creerían cualquier cosa al final. Y tuvo razón ? dice Peter Benchley respecto a su discusión con el joven director. Es que el final del libro es deprimente. El tiburón muere de sus heridas a último momento luego de cargarse a Hooper y a Quint, justo cuando se dirige a atacar a Brody. Un tremendo Deux Ex Machina.
Tanto habla de los miedos esta historia que al final, cuando Brody y Hooper nadan de vuelta a casa, Brody dice "Yo solía odiar el agua..."
Superados todos los temores, Spielberg era el rey de Hollywood.
Uno de los cuentos más famosos fue durante uno de los previews. Spielberg se sentaba atrás para ver las reacciones de la gente. Cuando el chico muere a los 15 minutos del film, el director vió que un espectador se levantaba de su asiento. "Se va... Me fuí al carajo" -pensó. Después vió que el espectador corria por el pasillo hacia la salida. "Ni siquiera se va. Huye. Esto es terrible." -pensó. El tipo cayó de rodillas en el lobby, vomitó, fue al baño y después volvió a su asiento. Fue cuando Spielberg se dió cuenta que la película era un hit.
Tiburón es una de mis favoritas. Si queres saber más este site tiene todo:
  • Jaws Movie
  • o el site del documental :
  • The Shark is still Working
  • con entrevistas a todos los involucrados.
    escena de la jaula
    Metiendo a Bruce al tanque para la escena de la jaula.
    Guión de: MrManiac
    Somos muy top domingo, octubre 16, 2005
    ¿Ustedes se preguntan qué es de la vida de nuestro compañero roy? Bien, no sé si todos lo sabían, pero el muchacho anda dando vueltas por Europa. Por esas cosas de la vida, justo ahora está por Barcelona. Y por esas cosas de la vida, a roy se le ocurrió ir un día a pasear a Sitges, que es un pueblito que queda a media hora de la ciudad catalana. Y hete aquí que en estos días se está llevando a cabo en Sitges el Festival de Cine Fantástico.

    Ni lerdo ni perezoso, nuestro coequiper se mandó... y se encontró nada más ni nada menos que con Quentin Tarantino y Tim Burton presentando "Corpse Bride" (para nosotros, los argentos, acá se estrenó el jueves bajo el título "El cadáver de la novia")!!

    Y no sólo eso... El muchacho me cuenta por msn que el lema de este año de dicho Festival es el festejo de los 30 años de "Tiburón" ("Jaws"), por lo cual contaban con una exposición especial dedicada íntegramente a dicha película (y, según roy, "dedicada a MrManiac que lo mira por CineFreaks!").

    Acá, una imagen de nuestro corresponsal exclusivo en Sitges, quien ya ha tomado el compromiso de postear contándonos TODO a su regreso!
    (Besos, nene!)

    Guión de: ~Naty~
    #103: Como un aviòn estrellado viernes, octubre 14, 2005
    Como un aviòn estrellado (2005)

    Proyectada en el Bafici en Abril, aùn no estrenada en cartelera aquì en Baires. Segunda película de Ezequiel Acuña ("Nadar Solo"), parece (màs que una secuela) una segunda parte de una eventual trilogía, sucediendo a la òpera prima en cuanto a colores, estètica, ritmo, intensidad, etc, etc y etc. Los pensamientos profundos acaparan a los adolescentes de ambas películas, con climas grises, lentos y al mismo tiempo envolventes. A esta altura se puede decir que las películas de Acuña tienen una atmósfera pesadísima, casi tristona, que provoca exaltación inesperada cuando aparece un toquecito de felicidad. Una sonrisa apenas entornada, entonces, produce el efecto de lo que en otro contexto equivaldría a una carcajada. Es curioso, porque èl, lejos de renegar, ayuda a construir esto, por ejemplo, con sus bandas sonoras, que parecieran (y ya tantas veces se ha dicho) hermanos de Thom Yorke nacidos en el Rìo de la Plata. En "Nadar Solo", Jaime Sin Tierra. Ahora, Mi Pequeña Muerte.
    En esta película, la tristeza se ve en un adolescente, Nico (Ignacio Rogers), dolorido por la muerte de sus padres (al... estrellarse un aviòn), se ve enfrentado a crecer de golpe: se enfrenta tambièn a su hermano, Fran (Carlos Echeverría), que se niega a vender la casa que tienen en Chile, a la cual Nico tiene que ir manteniendo, pagando los impuestos, etc (mientras mantiene junto a su hermana su casa de Bs. As. Al mismo tiempo). En uno de esos vuelos a Valdivia, conoce a una chilena, Luchi (Manuela Martelli), con unos rulos hermosos y se dan esos planos silenciosos que ya nos habìan dado Antonella Costa y Diego Mateo en Nadar Solo. Es curiosa la capacidad que tienen los protagonistas masculinos de Acuña para levntarse minas sin dirigir la palabra a las minas, y, lo que es peor, sin levantar la mirada del suelo. Je.
    Y resulta que la chilena vive en Buenos Aires, y pasa a ser clienta, justito justito, de la veterinaria que Nico y su hermano heredaron. El Conejo de Luchi, atendido en algún lugar de Belgrano, logra lo que el chamuyo de Nico (el no chamuyo, bah) no pudo.
    Pero eso no es todo en la vida de Nico. Además de lidiar con su hermano, con su amor chileno, con la muerte de sus viejos aùn sin digerir, Nico se encuentra con que su mejor amigo, Santi (Santiago Pedrero) està próximo a terminar la conversión de "nene-bien-de-Belgrano" a "robo-para-conseguir-psicofarmacos" en cuestión de minutos.
    Otro panorama de la escena pseudo indie de la adolescencia argentina, que, màs allà de detalles exacerbados por mì aquì (y por Acuña en las películas), lamentamos que no existan en mayor cantidad. Aia, me puse melancólico. Para estar a tono, claro.
    Guión de: Luleau.-
    #102: 9 Songs
    9 songs (2004)
    La habìa citado en un post en medio del bafici de este año. La vi el 22 de abril, asì que tratarè de traer los vagos recuerdos que de esta peli me quedan. Esta dirigida por Michael Winterbottom (el de "24 hour party people", biopic sobre el post punk / new wave londinense de los '80). La cosa es asì una pareja se conoce en un recital de los Black rebel Motorcycle Club y a partir de ahì y durante casi 90 minutos, los protagonistas se la pasan cogiendo, falopeàndose y yendo a recitales. Además de una extraña e intrascendente referencia a un laburo del protagonista masculino en, presumo, la Antàrtida, que lo ùnico que hace es aportar màs blancura a la ya brindada por el semen y la cocaína que ya habìamos visto previamente. Entonces pasa a tener relevancia el gusto que nosotros tengamos por las bandas en cuestión, de las cuales muestran temas en vivo (lo que se supone que deba ser la finalidad de la peli, registrar documentalmente cierto momento actual del rock, y me animarìa a decir del rock garage específicamente).
    El guiòn de la peli es nulo, hay que decirlo.
    El sexo de los protagonistas, muy real. MUY real.
    El soundtrack es la peli en sì misma, y es genial, asì que tambièn hay que decirlo.

    Los temas filmados en 9 songs son:
    * "Whatever Happened To My Rock and Roll" - Black Rebel Motorcycle Club
    * "C'mon C'mon" - The Von Bondies
    * "Fallen Angel" - Elbow
    * "Movin' On Up" - Primal Scream
    * "Sola" - Melissa Parmenter
    * "The Last High" - The Dandy Warhols
    * "Slow Life" - Super Furry Animals
    * "Jacqueline" - Franz Ferdinand
    * "Love Burns" - Black Rebel Motorcycle Club

    Sì, terminan su relación con la misma banda con la que la abrieron. Y eso no es contar el final, ni es contar la película, porque, bueno, la película en sì no existe. Es un bonito documental de rock, eso sì.
    Guión de: Luleau.-
    #101: Comme une image / Como una imagen
    Aclaración inicial: durante unos meses de ausencia, por motivos personales, le daba explicaciones a Naty por msn, casi con culpa (cinefreaks me tirò siempre, lo digo mientras me golpeo el pecho) de porque no podìa postear. De hecho, estos meses vi poco cine y prácticamente todo en video, y poquitos estrenos. Pero llegaron Spike y Maniac y bueno, me tocaron el orgullo que no tengo y encendieron una chispa que mezcla ira (bueno, iiiira, iiiira, lo que se dice iiiiira, no) con nostalgia y, voilà, culpa (bueno, che, alguna reminiscencia judìa tenìa que tener). So, aquì vamos con lo que vi en el 2005, arrancando con esta película francesa estrenada aquì a ppios de año.

    Comme Une Image / Como una imagen
    :
    De la directora de "El Gusto de los Otros" (ganadora en Cannes), Agnes Joaui -una suerte de Mercedes Moràn, pero francesa y directora (¿)- nos trae una película muy francesa en su ritmo y en su drama, propiamente dicho. La película tiene su desarrollo màs importante en la psicología de los protagonistas, con su punto màs alto en como analizar las relaciones ventajistas, las relaciones por "conveniencia". Tenemos a un escritor afamado, histèrico, egocéntrico, exitoso. Que tiene a una hija regordeta, que siente que el mundo le da la espalda (por el tamaño de la misma, justamente), que sì le dan bola es por ser "la hija de...", que canta lírico, que se siente abandonada por su padre (con razones para hacerlo). Que tiene, tambièn, una profesora de canto (interpretada por la directora) que tambièn la desprecia, hasta que descubre que es hija de uno de sus escritores preferidos, y empieza a tratarla con dedicación extra. Y esta profesora de canto tiene un marido escritor, de una nueva camada, que gracias al contacto que le hizo su esposa, consigue su primer boom editorial, tras lo cual abandona a su editora de toda la vida y toma camaleònicamente un estilo de vida que le expropiò al escritor famoso, quien pasa a ser su nuevo editor y lo acuna bajo su nido. Hasta que, claro, el editor del escritor famoso prefiere quedarse con su nuevo pupilo. El ritmo de la peli es lento, hasta que en un momento, llegando al final de la peli, conviven en la casa de campo del escritor famoso, a saber:
    *El escritor famoso (celoso de su pupilo, empieza a agredir a su mujer)
    *La esposa del escritor famoso(tìpica mujer dominada, que de golpe e inesperadamente, se cansa y pega tres gritos y... no sigo porque estoy contando demasiado)
    *La hija del escritor (pobre gordita resentida y con razón: no le dan bola, se le acercan por conveniencia. Encima canta tan bonito)
    *El pseudonovio de la hija del escritor (que se acerca a ella por conveniencia, pero que a su vez es despreciado por ella, que prefiere a otro pibe, que tambièn la boludea)
    *La profesora de la hija del escritor (que està a mitad de camino entre enojarse con su esposo por su cambio de personalidad y disfrutar de la nueva y buena vida).
    *El esposo de la profe/ el nuevo escritor (en pleno ascenso del ego).

    En definitiva, es muy linda película, da en la tecla muy correctamente a actitudes humanas sinceras (y en la mayorìa de los casos desagradables) y es de esas que nos dejan una moraleja casi sin querer, o al menos no en el estilo "manual del guerrero de la luz" ò "cadena de favores" (que no me pareciò mala, al contrario, pero no iba a eso).
    Guión de: Luleau.-
    POST 100: TRAILERS martes, octubre 11, 2005
    Con permiso de la presidenta de la casa, me tomo el atrevimiento de escribir el post #100 de Cinefreaks. No lo haria si no creyera que vale la pena.
    Miren este par de trailers falsos re-editados por estudiantes de la escuela de editores. La idea era convertir gracias al trailer a Titanic en pelicula de terror y a El Resplandor en comedia romántica.
    Sencillamente genial.

    Se los pueden bajar de acá.
    "Scary Titanic".

    "Shinning".
    Guión de: MrManiac
    La casa de las dagas voladoras sábado, octubre 08, 2005
    ("Shi mian mai fu", de Yimou Zhang - 2004)




    No voy a intentar hacer una sinopsis de esta película porque sería bastante complicado. Voy a hacer algo que no es quizás muy habitual en mí: ser breve y sintética.

    En cuanto a la historia, esta película deja, a mi gusto, muchísimo que desear.
    Visualmente, estéticamente, y considerando los efectos especiales, el vestuario, la fotografía, la ambientación, etc etc... es, lejos, una de las películas más bellas que vi en mi vida.
    Y si no te interesa tanto por eso, pero sí te gustan las escenas de lucha bien coreografiadas, mirala que te va a interesar. ¿Mi favorita?: la pelea en el bosque de cañas de bambú.

    Listo. Eso es todo.
    Guión de: ~Naty~
    LO QUE ANDABA FALTANDO sábado, octubre 01, 2005
    TIEMPO DE VALIENTES de Damián Szifron.
    Con: Diego Peretti, Luis Luque, Oscar Ferreiro, Gabriela Izcovich y Martín Adjemián.

    El cine existe para entretener. Lo que tambien existe es una fuerte corriente intelectualoide que ha vapuleado al cine de aventuras pero por suerte hay gente en nuestro cine como Damián Szifron.
    Esta película, estrenada el pasado jueves, está cargada de diversión, acción y ocurrencia.
    La historia gira en torno a Mariano Silverstein (Diego Peretti) un psicólogo que por motivos que no diré en honor al argumento, inicia una relación con Alfredo Díaz (Luis Luque) un detective singular de la Policia Federal. El dúo, como es cliché en estos casos, se verá metido en algo demasiado grande para dos anti-héroes como ellos. Pero la valentía puede salir de los lugares más insólitos y los malos tienen que prepararse.
    Simpatía y ternura pueden aparecer en la pantalla en contraposición con la acción y la violencia, pero Peretti y Luque dan cátedra de como el producto puede ser de calidad y los actores pueden divertirse respetando al espectador. Los gags diseñados por Szifron sorprenden e incitan a la carcajada. También está muy bien explotado el recurso de darle datos al espectador que serán importantes más adelante en la narración. Llama la atención la moderación en las puteadas, clásico nuestro, que solo son usadas cuando es absolutamente necesario.
    Con un guión ágil y coherente, unas actuaciones formidables, y un nivel técnico impresionante, "Tiempo de Valientes" es un soplo de aire fresco que no tiene nada que envidiarle a las producciones internacionales. Habrá quien la acuse de pasatista y sí, esa es la ídea: pasarlo muy bien con una gran película que ayuda a que el cine nacional se anime a salir del hastío en el cual, por momentos, parece metido. No tiene nada de malo tratar de incursionar en otros géneros.
    Es más, se agradece.
    Szifron le hace decir al personaje de Peretti en un momento: "Me siento en Arma Mortal".
    Nosotros también, Szifron. Nosotros también.
    Guión de: MrManiac